Scharein – Peinture en champs de couleur à l’essentiel. 28/02-25/05/2016

Après le grand succès de 2014, la GALERIE MESSMER a pour la deuxième fois l’honneur d’exposer des œuvres impressionnantes de Günter Scharein. Les champs de couleurs de l’artiste berlinois permettent aux visiteurs de s’immerger dans des surfaces non figuratives de l’espace colorimétrique composé de lumière. Promenez-vous dans des mondes complètement nouveaux.

Né en 1949 en Basse-Saxe, Scharein orne aujourd’hui les collections les plus importantes, telles que le Bundestag allemand, la Collection Daimler et la Staatsgalerie Stuttgart. Les discours prononcés lors de ses vernissages sont prononcés par des personnalités populaires telles que le Dr Gregor Gysi, entre autres, comme ce fut le cas récemment lors de l’exposition à Berlin de la société Sanofi-Aventis – seules les peintures de Scharein elles-mêmes sont encore plus convaincantes.

Le peintre qualifie la couleur jaune de « garce », révélant ainsi l’aspect humain dans ses études méticuleuses de la couleur. L’émotionnel est en effet un acteur principal dans l’œuvre de Scharein. L’artiste souhaite « que les spectateurs, avec toute leur expérience, leur sensualité et leur spiritualité », s’engagent dans ses tableaux.

En même temps, il procède avec la plus grande précision et précision pour sonder les caractéristiques autonomes de chaque couleur. Le processus artistique est basé sur l’application précise de petits points de couleur. Les pointillistes ont déjà fait usage de l’effet obtenu. Les points minuscules s’estompent sous les yeux du spectateur dans des « paysages colorés » chargés d’émotion. Jusqu’à 17 points de couleurs différentes peuvent être trouvés sur un ( !) centimètre carré.

Ils se transforment en de grandes surfaces pulsantes avec une luminosité presque incroyable. Les œuvres oscillent, vibrent et changent en fonction des conditions de lumière et de l’angle de vue. Les tableaux de Scharein vivent et rayonnent d’une joie de vivre, d’une vitalité et d’une variété débridée. Laissez-vous infecter et enchanter !

SEO – L’espace pour toi. 27/08-23/10/2016

La GALERIE MESSMER a accueilli cet été un invité spécial : l’artiste coréen SEO de Berlin. Elle est l’une des stars de la scène de l’art contemporain ! Ses œuvres sont un jeu de couleurs et de perspectives qui défient sans cesse les sensations du spectateur.

Né vers 1977 à Gwangju, dans la province de Séoul, SEO a déménagé à Berlin en 2001 pour visiter l’Université des Arts. De 2003 à 2004, elle y a fait des études de master auprès du professeur Georg Baselitz.

En plus de prix de premier ordre tels que le Beijing Art Award, le Leopold-Hoesch Museum’s Milestone et le National Art Museum of China’s Award of Excellent Painting, SEO a également reçu une bourse en tant que meilleur étudiant à Cho-sun University. Elle a déjà participé à plusieurs biennales, comme la 54e Biennale de Venise et la Biennale Animamix à Shanghai. Ses œuvres font déjà partie d’importantes collections telles que le MoMA (Musée d’art moderne), la Chancellerie fédérale, l’Ambassade d’Allemagne à Téhéran et le Museo de Bellas Artes à Santander en Espagne. Il y a aussi de nombreuses expositions individuelles et collectives dans de grandes galeries et musées du monde entier, de New York à Berlin, de Pékin à Milan.

Enfin, SEO décrit son travail comme suit : « Dans mon travail, j’ai toujours mis l’accent sur le thème de la mondialisation et son impact sur l’environnement, la culture et les gens. J’utilise les techniques du collage, de la déconstruction, de la construction d’éléments picturaux et de motifs de l’Extrême-Orient et de l’Occident pour aborder le sujet à partir de différentes positions, tant formellement que sur le fond, tout en travaillant toujours l’essence des choses.

Marisa Ferreira – Depth, Space & Colour. 29/05-24/08/2016

La dernière exposition de la Portugaise Marisa Ferreira dans la GALERIE MESSMER avait un grand succès: Tous les oeuvres ont été vendues. Agé de 33 ans seulement, l’artiste était déjà représenté dans de nombreuses expositions de l’Amérique à la Chine. Elle est fermement ancrée dans le monde de l’art international.

Marisa Ferreira est présente dans de nombreux lieux publics et collections avec ses œuvres grand format. Par exemple, il y avait une installation monumentale sur la façade de la gare centrale d’Oslo. Parmi les collections publiques dans lesquelles Ferreira est représentée se trouve le Musée Stavager, Norvège.

Elle combine les trois composantes principales de la couleur, de la forme et de l’espace pour créer des compositions tridimensionnelles. Le mouvement du spectateur est mis à l’épreuve : ce n’est qu’en marchant autour de l’œuvre que les différents motifs et structures de couleurs avec leurs différentes facettes peuvent être vécus de manière sensuelle ! Le résultat est un continuum spatio-temporel qui intègre le point de vue du spectateur directement dans l’image et va donc au-delà de la rencontre visuelle passive avec l’œuvre.

Marisa Ferreira s’inspire des théories scientifiques sur la perception et la phénoménologie humaines. Dans ses œuvres, principalement composées d’aluminium et de contreplaqué, elle les traduit en séquences thématiques.

L’art s’inspire des séquences naturelles de nombres de Leonardo Fibonacci. Elle reste fidèle à son concept de structures « Zigzag » dans ses nouvelles œuvres. Ils sont également influencés par les idées du philosophe Maurice Merlau-Ponty et du physicien allemand Werner Heisenberg. Surtout, le modèle de mécanique quantique de Heisenberg se retrouve dans son expression de la relation espace-temps. Les œuvres changent en fonction de l’angle de vue. Le visiteur devient ainsi une partie active de son travail. Ferreira transmet ainsi des liens sociaux sur la base des thèses de Merleau-Ponty. Il est souligné que le sujet individuel est toujours dans une relation très personnelle avec son environnement et son environnement social.

André Evard – Paysages de rêve. 20/11/16-19/02/2017

Ils ne sont pas de ce monde – les paysages d’André Evard. Des tourbillons de lumière apparaissent devant l’œil du spectateur, des compositions chargées d’ambiance qui donnent l’impression d’être le produit d’un rêve !

Le contenu des tableaux n’est souvent révélé qu’au deuxième coup d’œil. Derrière les couchers de soleil à couper le souffle, il y a parfois des allusions religieuses, ainsi que des rappels de l’éphémère de tout ce qui est terrestre.

L’éventail des représentations paysagères dans l’œuvre d’André Evard est énorme ; l’évolution artistique de ce pionnier du modernisme peut être retracée de manière exemplaire dans les œuvres de l’exposition. Parmi les premières peintures d’Evard, par exemple, il y a des exemples qui sont clairement influencés par l’Art Nouveau. Des images oniriques et ornementales de paysages réels qui captivent chaque spectateur par leur beauté.
Viennent ensuite des œuvres impressionnistes qui, comme un instantané, ne capturent pas le paysage lui-même, mais plutôt son impression dans l’œil du spectateur. La manière presque fugace dont ces œuvres sont peintes révèle l’intérêt du peintre pour ce concept de peinture alors totalement nouveau et révolutionnaire.

Par contre, les œuvres postérieures rappellent des paysages surréalistes. D’autres semblent s’intégrer parfaitement dans l’œuvre d’Henri Michaux qui, comme Evard, a créé des œuvres dont l’intensité, les couleurs et la fantaisie presque illimitée sont à la fois stupéfiantes et dérangeantes.

En plus des œuvres figuratives d’Evard, ses œuvres tardives témoignent de l’engagement intense de l’artiste dans l’abstraction. Elle aboutit à des compositions qui reproduisent de manière constructive des paysages et des éléments architecturaux fragmentés. Un contraste saisissant avec ses premières interprétations de motifs similaires et en même temps un témoignage de l’esprit novateur de ce grand artiste du modernisme suisse.

Doris Marten – Sphères linéaires. 26/02-30/04/2017

L’artiste Doris Marten, qui vit à Berlin, s’est déjà fait un nom dans le passé avec de nombreuses expositions individuelles et collectives dans tout le pays et fait maintenant partie intégrante du paysage artistique très disputé de la capitale.

Ses œuvres abstraites, compositions sensuelles aux nuances tonales fines, ont une grande valeur de reconnaissance. Ils captivent l’observateur comme des champs vibrants de couleur et en même temps transmettent une grande tranquillité malgré tous leurs mouvements. Ils séduisent par leur précision extraordinairement élevée ainsi que par leur beauté tendre et leur apparente fragilité.

La GALERIE MESSMER présente une exposition de 22 œuvres de la série « Borderlines », créée depuis 2012 et qui joue un rôle important dans le travail de l’artiste, né en 1971. Elle est constamment complétée par de nouvelles œuvres, dont certaines sont présentées pour la première fois dans le cadre de l’exposition « Sphères linéaires ».

Mylène Mai – Optical Flow. 07/05-11/06/2017

Mylène Mai, jeune artiste remarquable au grand potentiel, est née en France en 1988. Ses œuvres font partie de nombreuses collections privées renommées. Sa clientèle grandit rapidement et régulièrement, si bien que la quasi-totalité de ses dernières expositions se sont soldées à guichets fermés.

Dans ses œuvres à forte intensité de couleurs, la chercheuse en sciences humaines, titulaire d’un doctorat, s’intéresse avant tout à la réalisation picturale de la relation entre l’esthétique extérieure et les émotions qu’elle suscite chez l’observateur.
Les sensations ressenties lors de l’expérience de ces œuvres extraordinaires vont de vives et dynamiques à hypnotiques et poétiques, mais elles échappent à toute description et l’émergence de leurs œuvres est un processus qui exige beaucoup d’efforts manuels. À l’aide de divers outils tranchants, la jeune artiste creuse des structures dans des plaques de plâtre épaisses, dont elle patine ensuite abondamment les surfaces.

Les œuvres monochromes sont conservées dans des couleurs intenses et vivent à travers la dynamique unique des structures, qui nous rappellent parfois la pluie battue par le vent, les feuilles tourbillonnantes, l’écorce des arbres anciens ou les vagues. En effet, Mylène Mai s’inspire de la nature et n’utilise que des matériaux naturels comme le plâtre et les pigments naturels.

Le facteur temps joue également un rôle central dans l’art incomparable de la jeune Française. Par des processus de vieillissement artificiel, comme la simulation de signes d’abrasion et d’usure à la surface de ses œuvres, elle choisit un moment caractéristique de patinage pour chaque œuvre, ce qui rend chaque œuvre aussi unique qu’une empreinte digitale.

Sylvette David – La muse de Picasso. 14/06-12/07/2017

A l’occasion de sa 25ème exposition, la kunsthalle messmer se consacre du 24 juin 2017 au 12 novembre 2017 aux femmes dans la vie du grand peintre moderniste Pablo Picasso. Source inépuisable d’inspiration, elles ont influencé son œuvre artistique.

Certains des compagnons de Picasso étaient eux-mêmes des artistes, dont la Française Sylvette David (*1934). Au printemps 1953, l’artiste rencontre le jeune homme de 19 ans avec sa queue de cheval blonde à Vallauris. La jeune fille a été son modèle pendant de nombreuses années : en seulement trois mois, il a créé sa série de portraits « Sylvette » avec plus de 50 peintures et dessins d’elle, ce qui a fait sa renommée mondiale. Des personnalités de renom comme Brigitte Bardot ont reçu sa coiffure.

L’artiste, aujourd’hui âgée de plus de 80 ans et rebaptisée Lydia Corbett, présentera ses propres œuvres dans le GALERIE MESSMER, qui ont une référence stylistique claire à Picasso. Dans son œuvre artistique, elle se concentre sur l’aquarelle et la céramique, où les motifs flottent délibérément librement dans l’espace pour le spectateur. L’accueil de Marc Chagall est immédiatement perceptible. Des fleurs de formes et de couleurs différentes apparaissent encore et encore comme un sujet. L’adoption récurrente d’éléments religieux révèle aussi leur piété.

Bernd Kirschner – Champs morphiques. 24/09-03/12/2017

Le jeune artiste allemand Bernd Kirschner a présenté une sélection de ses nouvelles œuvres atmosphériques dans le GALERIE MESSMER ! Après de nombreuses expositions à Berlin, Paris, Porto, en Asie et aux Etats-Unis, les œuvres de Bernd Kirschner se retrouvent pour la deuxième fois à Riegel.

Bernd Kirschner a étudié les beaux-arts à l’Académie des Beaux-Arts de Stuttgart de 2000 à 2006 avec des visites d’étude en Grande-Bretagne. Il a également reçu le Academy Prize à Stuttgart en 2002 et 2004. Les années suivantes, de nombreux autres prix et bourses ont suivi, comme le Förderpreis der Stadt Konstanz, le Beijing Studio Scholarship et l’Atelierstipendium des Künstlerhaus Edenkoben. En 2015, il a été conférencier invité à Huangzhou en Chine.

Né à Memmingen en 1980, l’artiste vit aujourd’hui à Berlin, où il réalise des tableaux impressionnants.

Ses œuvres sont principalement figuratives, avec des emprunts à la peinture métaphysique, surréaliste et traditionnelle chinoise. Les motifs de ses peintures à l’acrylique et à l’huile vont des paysages paisibles et fantastiques aux figurations mythologiques derrière des voiles discrets de brume. Il reprend également à plusieurs reprises le motif de l’eau, qui s’appuie sur sa fine palette de couleurs.

Son but dans ses tableaux n’est pas d’être une imitation, mais plutôt une prémonition de la réalité et de la précéder, les représentations étant toujours dans le champ de la tension entre illusion et réalité.

Reinhard Roy – 04/03-05/04/2018

Reinhard Roy, né en 1948, est un artiste d’art concret et constructif de renommée internationale. Il a eu des expositions personnelles dans le monde entier, y compris aux Etats-Unis, en Hongrie et au Brésil. Il est représenté dans plus de 66 collections, dont le Staatliche Kunstsammlungen Dresde, le Museum Ritter, l’Albertina à Vienne et le Musée national de Varsovie.

L’artiste s’occupe de la forme du cercle depuis des décennies. Dans son œuvre, le cercle apparaît souvent sous sa forme la plus minimale – comme un point – mais aussi comme un phénomène spatial virtuel. Il est étonnant que toutes les œuvres se réfèrent à la forme de base du cercle tout en restant très variées. Pendant plusieurs années, Reinhard Roy a accompagné l’architecte brésilien Oscar Niemeyer, considéré comme un pionnier de l’architecture brésilienne moderne.

Oscar Niemeyer, né en 1907 à Rio de Janeiro, où il est décédé en 2012 à l’âge de 104 ans, est l’un des architectes les plus créatifs du XXe siècle.

Il a été le créateur architectural de la capitale Brasilia, mais il a également connu un succès international, notamment avec la construction du bâtiment de l’ONU à New York avec Le Corbusier. En 2013, ses dessins et plans architecturaux ont été déclarés Patrimoine de l’Humanité par l’UNESCO.