Ana D’Apuzzo – 08/04-08/07/2018

Ana D’Apuzzo, née en 1978, est peintre, architecte et designer. Après l’école, elle a étudié l’architecture et l’art contemporain à Lisbonne. La bourse de doctorat britannique, qu’elle a reçue par la suite, a encouragé la jeune artiste à continuer à s’intéresser à l’art, à l’architecture et à la mode, tant en théorie qu’en pratique. Depuis, elle travaille avec les médias numériques, l’huile sur toile, l’acrylique, l’aquarelle et les couleurs pastel. Elle a reçu plusieurs prix internationaux et, depuis 1992, ses œuvres ont été présentées dans des expositions dans le monde entier, notamment aux États-Unis, en Serbie et au Japon.

La GALERIE MESSMER présente une trentaine d’œuvres de l’artiste au cours des six dernières années. En raison des couleurs claires et du style caractéristique, les œuvres apparaissent au premier coup d’œil comme des aquarelles ou des pastels. Mais ce sont exclusivement des usines pétrolières.

Toutes les œuvres d’Ana D’Apuzzo ont une tendance à l’esthétique et à l’harmonie. L’artiste puise son inspiration dans des domaines interdisciplinaires : Elle s’est inspirée de la nature, de la science ou même d’un simple jeu de lumière, mais aussi de certaines personnes, comme Nikola Tesla, inventeur, physicien et ingénieur électricien du XXe siècle. Ana D’Apuzzo veut créer des œuvres d’art « utiles » ; elles doivent rendre les spectateurs heureux.

« La vie est précieuse et belle, dit l’artiste, qui veut faire passer ce message dans ses œuvres harmonieuses.

Joachim Lehrer – Le monde derrière le monde. 08/12-16/02/2020

A partir du 8 décembre 2019, la GALERIE MESSMER présentera les paysages de rêve curieux et idylliques de Joachim Lehrer. Avec un charme surréaliste mystérieux, les mises en scène poétiques esquissent les paysages de Lehrer, des lieux de silence d’apparence dystopique.

Abandonnés et abandonnés, les principaux motifs des tableaux de Lehrer sont pour la plupart des automobiles qui ont subi les ravages du temps, des témoignages culturels délabrés et d’autres objets du progrès technologique. Enveloppées d’une lumière douce et de couleurs pastel, les œuvres de Lehrer équilibrent la perte et l’harmonie.

Car, à l’instar des peintres romantiques, Lehrer pose des questions sur notre avenir et invite à la contemplation avec ses scènes étendues et mélancoliques.

La trancheuse La solution de l’île La solution Night shift Walk in the childhood Water music
Avant que Joachim Lehrer, né à Reutlingen en 1954, ne devienne indépendant en 1983, il a travaillé comme jeune homme entre 1974 et 1975 comme chauffeur de camion, étudiant d’abord en électrotechnique, mais à partir de 1976 il est passé aux études allemandes, rhétorique et histoire de l’art. Un fait qui se reflète encore aujourd’hui dans ses univers picturaux. Non seulement son amour pour l’automobile est resté, mais son travail s’inspire aussi de la sophistication technique des anciens maîtres.

Car les professeurs utilisent une technique élaborée d’émail à l’huile à base de résine de la Renaissance italienne et de l’époque baroque, qui n’est guère utilisée aujourd’hui, et avec laquelle il crée une lumière profonde surnaturelle dans ses peintures et parvient en même temps à obtenir un effet non marquant, photoréaliste et d’apparence.

Ses œuvres fascinent le monde de l’art. Près de 200 expositions nationales et internationales lui ont été consacrées. Aujourd’hui, Joachim Lehrer est représenté dans de nombreuses collections internationales importantes en raison de son univers visuel extraordinaire – entre autres dans la collection Reinhold Würth, au musée Phantasten à Vienne, dans la collection Princesse de Hesse.

Michel Kirch – The origin of light. 06/07-10/09/2017

   L`horizon vertical, 2011, Harman Fine Art auf Dibond unter Diasec, 100 x 80 cm

Michel Kirch, photographe de renommée mondiale, présente pour la première fois en Allemagne une sélection de ses œuvres primées à la GALERIE MESSMER !

Depuis janvier 2017, la longue liste de ses prix internationaux comprend également le prix convoité du « Meilleur photographe monochrome de l’année ». En mars 2017, il remporte le « 32e Concours international des beaux-arts de Chelsea (Manhattan) » et reçoit le prix « Creative Quarterly 2017 (Fine Art Professional) ». La liste pourrait être poursuivie.

L’artiste, né en 1959 à Metz/France, crée des œuvres impressionnantes, parfois monumentales, qui vont au-delà des critères esthétiques classiques. Les photographies envoûtantes, d’une intensité presque troublante, ont immédiatement jeté un sort sur le spectateur, déclenchant un véritable flot d’émotions.

L’intérêt principal de l’artiste n’est pas la documentation de paysages réels existants. Il expérimente l’effet subjectif que ses « paysages intérieurs, les géographies de l’âme » déclenchent chez le spectateur.

Le défi le plus grand et le plus passionnant pour Kirch est la construction d’une fiction à partir des blocs de construction et des matériaux de la réalité – ce qu’il réussit vraiment avec brio ! Il crée de la poésie à partir d’éléments visuels picturaux visuels imbriqués qui semblent surréalistes plutôt qu’irréels par l’aliénation de la réalité.

Kirch compose et construit des paysages énigmatiques et des paysages urbains en partie apocalyptiques, qu’il compose à partir de divers de ses plans individuels. Il est toujours à la recherche de sa « propre version de la réalité », un lieu onirique, presque mystique, caché sous la surface du visible et du tangible.

Il crée ainsi des mondes fantastiques pleins d’ombres et de lumières à la frontière entre réalité et fiction, dans lesquels les figures humaines souvent déshabillées errent à la recherche de figurants épars ou semblent se fondre dans le sol pictural détaillé.

Malgré la monochromie retirée, les œuvres de Kirch ne paraissent pas sombres, mais rayonnent d’un grand calme et d’une esthétique incomparable. Et le message urgent de l’artiste que « la réalité unique, absolue et universellement valable » n’existe plus dans notre monde de la numérisation et de la mise en réseau.

Informations sur l’artiste : www.michelkirch.com

Adriano Piu – Movimento Interlocutorio. 10/12/2017-11/02/2018

En 2015, Arte a produit une émission sur la série Adriano Pius Interlocutory Movement (Modular Movable Artworks), qui a attiré une grande attention dans la scène artistique. Depuis 1990, le célèbre artiste italien expose ses œuvres impressionnantes et uniques avec grand succès dans toute l’Europe. A partir du 10 décembre, Piu présentera à la GALERIE MESSMER une grande sélection d’images en mouvement ainsi que d’admirables sculptures en acier inoxydable et bronze coulé. Les œuvres de Pius se caractérisent par un langage formel poétique unique et des matériaux dynamiques. Il est considéré à juste titre comme l’un des représentants les plus importants de l’art cinétique.

Cette série unique d’images en mouvement est au centre de l’exposition du GALERIE MESSMER et vous êtes cordialement invités à découvrir les œuvres cinétiques. L’exposition dans la galerie est un excellent complément à l’exposition en cours dans la kunsthalle messmer « Licht und Bewegung », où l’on peut déjà voir quatre œuvres de Piu.

Piu est né dans le Frioul en 1954. Il a commencé à peindre très tôt et déjà dans les années 70, sa première exposition a eu lieu dans laquelle son propre langage pictural expressif pouvait être vu. Dans les années 90, Piu s’est concentré intensivement sur les formes et les matériaux. L’artiste a également commencé à exprimer les objets sculpturaux d’une manière différente. Pour ce faire, l’artiste a travaillé avec différents matériaux tels que le fer, l’aluminium, le bronze et le bois. Ses premières sculptures en acier inoxydable ont été développées de façon unique grâce à ses expérimentations constantes. Adriano Piu participe à de nombreuses foires d’art de renommée internationale et ses œuvres font partie des collections d’importantes institutions publiques ainsi que de collections privées en Suisse, Allemagne, France et Belgique.

Marisa Ferreira – Urban Landscapes. 24/02-21/04/2019

Après deux expositions de Marisa Ferreira dans la GALERIE MESSMER à guichets fermés, elle présente aujourd’hui dans sa troisième exposition personnelle à Riegel des œuvres anciennes et nouvelles qui soulignent l’importance de l’architecture dans son travail.

GALERIE MESSMER GALERIE MESSMER Marisa Ferreira, Urban Series I, Acryl auf Aluminium, 2014 © VG Bild-Kunst, Bonn 2019 Marisa Ferreira, Urban Series V, Acryl auf Aluminium, 2016, © VG Bild-Kunst, Bonn 2019 Marisa Ferreira, Urban Series I, Acryl auf Aluminium, 2014, © VG Bild-Kunst, Bonn 2019 Marisa Ferreira, Série Toit – Noir, Acier laqué époxy, 2019 © VG Bild-Kunst, Bonn 2019 Marisa Ferreira, Série étendue Bleu – II, Acier laqué époxy, 2018 Série étendue Bleu – II, Acier laqué époxy, 2018 © VG Bild-Kunst, Bonn 2019 © VG Bild-Kunst, Bonn 2019

La jeune Portugaise est aujourd’hui très présente internationalement dans le monde de l’art et attire l’attention avec ses installations dans les espaces publics. Son installation interactive « Shall we dance ? » a été présentée dans le journal The Guardian en août 2018 comme l’une des 10 meilleures installations d’art en plein air au monde.

Les œuvres de Ferreira sont toujours caractérisées par des couleurs riches et des formes géométriques, deux éléments qu’elle combine dans des installations de grand format et à forte intensité de couleurs pour créer des compositions cinétiques tridimensionnelles. Alors que ses premières œuvres se concentrent particulièrement sur l’interaction harmonieuse de la géométrie et de la couleur, ses nouvelles œuvres se concentrent sur les ruines industrielles ainsi que sur les objets abandonnés et leur passé.

« Chacun a ses propres points de vue et sentiments subjectifs sur la ville en tant que paysage. Les paysages urbains sont à la fois une expression d’identité et un moyen de façonner les relations de ceux qui les habitent. La ville est sujette à des changements constants ».

Marisa Ferreira

L’exposition est ouverte du 24 février au 21 avril.

SCHAREIN – Le pouvoir des couleurs. 28/04-30/06/2019

Pour la troisième fois, l’artiste berlinois SCHAREIN revient à la GALERIE MESSMER après les grands succès publics de 2014 et 2016. Né à Bassum en 1949, Günter Scharein abandonne sa carrière d’enseignant en 1988 et travaille depuis avec succès comme artiste indépendant. En plus de nombreuses expositions personnelles, ses œuvres font également partie de nombreuses collections publiques telles que du Bundestag allemand, la Collection Hoppe-Ritter, Daimler, Pietzsch, IBM, Piepenbrock et de la Staatsgalerie Stuttgart.

Les couleurs intenses que SCHAREIN combine habilement s’entrecroisent avec des dégradés de couleurs harmonieux. Ainsi elles créent des profondeurs palpitantes calmes ainsi que des champs lumineux chatoyants. Avec une immense quantité de travail, il en résulte des tons de couleurs très nuancés entremêlés de lumière, d’abstraction sphérique, dynamique et presque flottante.

Ses peintures exigent un examen intensif de la puissance des couleurs et de leurs propriétés individuelles, en particulier en ce qui concerne leur mélange possible. Même la moindre erreur peut entraîner une rupture optique dans les dégradés de couleur finement gradués. Ce n’est qu’en étudiant la famille de couleurs respective, que SCHAREIN peut comprendre ses qualités spécifiques et les utiliser de manière ciblée.

Mylène Mai – Hypnotic Lines. 07/07-09/10/2019

L’artiste de renommée internationale Mylène Mai expose à nouveau à la GALERIE MESSMER. Ses œuvres en matériaux naturels y étaient représentées déjà en 2017.

A partir du 7 juillet 2019, les œuvres de la jeune artiste française seront présentées dans l’exposition « Hypnotic Lines« . En mai 2019, l’artiste a déjà présenté ses œuvres avec succès dans la célèbre exposition Révélations sous la coupole du Grand Palais à Paris.

Depuis 2014, l’autodidacte et titulaire d’un doctorat en sciences humaines expose avec succès dans nombreuses galeries internationales et ses œuvres font partie des collections privées renommées en France et à l’étranger.

En raison de leur structure de surface élaborée, les œuvres monochromes de Mai sont à la fois des peintures et des sculptures.

Mai s’inspire de la nature. L’artiste orchestre et stimule le máteriau rigide plâtre à travers des lignes et des bords organiques qui rappellent l’écorce des arbres ou la zostère marine en mouvement. À l’aide des outils tranchants, la jeune artiste creuse des structures dans des épais panneaux de plâtre, dont elle patine ensuite minutieusement et individuellement les surfaces. Chaque œuvre est donc aussi unique qu’une empreinte digitale.

Manfred Fischer – 13/10-01/12/2019

Depuis mi-octobre, vous pouvez admirer les œuvres fascinantes de l’artiste Manfred Fischer dans la GALERIE MESSMER.

Manfred Fischer est né en 1950 dans la région du Münsterwald et avant de travailler comme artiste, il a étudié le droit à Marburg, Après son premier examen d’État il a commencé ses études à l’Université des Arts de Berlin. Il a terminé ses études artistiques en 1981 comme Meisterschüler ayant des résultats excellents. Depuis 1987, il enseigne à la Hochschule der Künste de Berlin et à la Technische Universität Braunschweig. Ses œuvres sont présentes dans des nombreuses expositions individuelles et collectives nationales et internationales. De plus, les œuvres de Fischer sont également représentées dans de nombreuses collections publiques et privées, telles que la collection de la Chancellerie fédérale et la collection du Volkswagenwerk.

Durant les années 1970, Fischer faisait encore partie des réalistes berlinois, mais durant les années 1980, il a développé un mode d’expression expressif et dynamique qui l’éloignait du réalisme pur de la décennie précédente. Ses œuvres se caractérisent par un coup de pinceau expressif encore aujourd’hui. Un motif central dans l’œuvre de Fischer est la tête humaine. Il l’utilise comme un symbole pour les rêves et les désirs humains, mais aussi pour des émotions plus profondes et cachées. Dans un processus compliqué d’application et de déblaiement des couleurs avec des drippings et des dégradés des couleurs, Fischer façonne le motif d’une tête couche par couche. Ce faisant il crée ainsi une métaphore de la rébellion humaine des émotions et associations.